¿Por qué es tan difícil terminar una pista? Te explicamos cómo puedes liberarte de los 4

Jul 19, 2023

Convierte tus ideas inacabadas en discos listos para publicar: ¡rápido!

Innumerables músicos electrónicos sufren por quedarse atrapados en un bucle: comienzan ideas sin cesar pero nunca las llevan a cabo. Hoy estamos aquí para ayudarlo a liberarse del bloqueo del escritor y terminar más proyectos que nunca.

A pesar de toda su flexibilidad y potencia, nuestros modernos entornos de estudio centrados en computadoras a menudo pueden obstaculizar la productividad tanto como impulsarla. El alcance y las opciones pueden ser abrumadores.

Tenemos acceso a millones de sonidos potenciales, recreaciones de software de prácticamente cualquier pieza de equipo que se te ocurra, un pozo ilimitado de muestras y fuentes de inspiración, todo lo cual se puede editar infinitamente, guardar en múltiples versiones reelaboradas y recuperar al instante. Es fácil sobrecargarse de opciones e información; y eso es incluso antes de considerar el peligro de distracción que supone estar constantemente conectado a Internet y a las redes sociales.

Algunos músicos tienen la suerte de experimentar estas luchas sólo de vez en cuando, mientras que para otros se convierte en un ciclo interminable que les impide completar algo que valga la pena musicalmente.

Estos son sólo algunos de los factores que pueden provocar el infame "bloqueo del escritor". No es una condición que afecte exclusivamente a los creadores de música, pero puede obstaculizarnos (en particular a los productores solistas) de algunas maneras específicas y únicas. Los síntomas incluyen trabajar demasiado una idea musical simple hasta convertirla en un desastre exagerado, abandonar proyectos que están terminados en un 80-90% para comenzar algo nuevo, o sudores fríos y noches de insomnio ante la mera perspectiva de convertir un bucle de ocho compases en un disco de seis minutos.

Algunos músicos tienen la suerte de experimentar estas luchas sólo de vez en cuando, mientras que para otros se convierte en un ciclo interminable que les impide completar algo musicalmente valioso. ¿Cómo podemos entrenarnos para salir de este bucle y convertirnos en el tipo de artista que, de forma natural, convierte bocetos inacabados en lanzamientos completos? ¿Cómo podemos desarrollar un flujo de trabajo que nos permita convertir naturalmente nuestras ideas básicas en arreglos satisfactorios?

En este artículo, analizaremos algunos de los problemas que le impiden terminar la música y discutiremos estrategias para ayudarlo a superarlos.

Existen ciertas condiciones específicas de la creación de música electrónica que pueden hacer que el bloqueo del escritor sea un problema particular. Para entender por qué, es importante considerar que el acto de hacer música ha cambiado dramáticamente en las últimas décadas. En los primeros días de la música grabada (y todavía algo común en gran parte del rock y el pop), múltiples profesionales participaban en el proceso creativo, cada uno de los cuales se centraba en una función específica.

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Los propios artistas canalizarían todos sus esfuerzos en escribir la canción, un ingeniero de estudio sería responsable del seguimiento, otra persona podría mezclar las pistas separadas y una última persona masterizaría el disco y entregaría el producto terminado. Potencialmente todo supervisado por uno o más productores "ejecutivos". Cada individuo podría concentrarse plenamente en la tarea asignada sin desviarse, ya sea creativa o técnica.

Para muchos creadores de música moderna, estos roles separados ahora se han fusionado en uno solo. Individuos solitarios intentan abordar cada parte del proceso de creación musical dentro de la misma sesión de estudio, trabajando en cada elemento de una pista, desde la escritura hasta el diseño de sonido, la mezcla, los arreglos, la masterización e incluso el arte y la logística de un lanzamiento.

Este enfoque polifacético puede significar que estemos constantemente interrumpiendo el lado creativo de nuestro cerebro al dejar que el lado lógico de nuestra conciencia tome el control.

Hay una libertad innegable en todo esto, y ciertamente permite que muchos artistas creativos brillen de una manera que bien podría verse ahogada por el mundo tradicional de los grandes estudios y sellos discográficos, pero este enfoque multiuso puede significar que estamos interrumpiendo constantemente el lado creativo de nuestro cerebro (responsable de generar ideas, componer, improvisar y arreglar) al permitir que el lado lógico/técnico de nuestra conciencia tome el control.

Para superar este conflicto, sea consciente de sus propios hábitos y divida las sesiones en "trabajos" enfocados: por ejemplo, si está improvisando y componiendo creativamente, no intente ecualizar y comprimir cada sonido allí mismo. Asimismo, reserve una sesión de mezcla dedicada una vez que se completen las tareas creativas. Compartimenta las sesiones y podrás alcanzar el estado de ánimo necesario para esa tarea.

Arreglo 101: Cómo escapar del bucle de 4 compases y convertir ideas en pistas completas

Sin embargo, el desafío de la creatividad en solitario se reduce a algo más que simplemente distraerse. Un proceso creativo que involucra a varias personas también nos permite responder a las ideas de una manera que es difícil hacerlo por uno mismo. Es mucho más fácil intercambiar ideas entre dos o más personas que trabajar en ellas sin parar por tu cuenta. Por eso, aparte de las tácticas que examinaremos en las páginas siguientes, la colaboración con otros creativos sigue siendo una excelente manera de impulsar su producción musical.

Una cierta cantidad de disciplina también es clave. Fíjate un objetivo de una cantidad determinada de horas en el estudio, luego haz todo lo que puedas para terminar una pista en ese tiempo; centrarse en la velocidad y en las grandes líneas del "panorama general"; desconecta de cualquier aspecto técnico (mezcla, diseño de sintetizador, etc.) y mantén el impulso mientras corres hacia la línea de meta. El objetivo es alcanzar un estado mental similar al zen en el que la canción prácticamente se escribe sola, algo que sólo se consigue a través de la práctica y la disciplina.

Terminar proyectos creativos con regularidad requiere autodisciplina. Intente seguir estas reglas de flujo de trabajo para motivarse.

Si llega a un punto muerto con un proyecto y no puede llevarlo a la meta, no elimine simplemente su trabajo. Asegúrese de guardar sus proyectos en progreso (y etiquételos claramente) para poder volver a ellos más tarde.

Es sorprendente cómo volver a algo unos días, semanas o incluso meses después puede permitirte verlo desde un nuevo ángulo. Mejor aún, rebota elementos individuales del proyecto, como beat loops, acordes o riffs, para que puedan usarse como munición más adelante.

Quizás al contrario del último consejo, no adquieras el hábito de simplemente archivar cada proyecto y terminar con un disco duro lleno de una pila cada vez mayor de pistas a medio terminar. Aplique un límite estricto a la cantidad de proyectos que se permite tener en marcha al mismo tiempo.

Por ejemplo, establezca un máximo de diez proyectos que pueda conservar y, cuando alcance este límite, oblíguese a adaptarse o terminar una idea existente antes de poder comenzar algo nuevo.

La mayoría de nosotros descubrimos que trabajamos más rápido y más eficientemente si trabajamos para cumplir con una fecha límite. Esto puede hacer que sea mucho más fácil terminar una canción cuando se trabaja para, por ejemplo, una fecha de entrega establecida por un sello discográfico.

Incluso si trabajas de forma independiente, intenta imponerte los plazos. Crea pistas específicamente para un concierto o una reserva de DJ, o intenta terminar una pista cada semana o mes. Sin embargo, sea realista; Los plazos pueden ser excelentes, pero igualmente pueden tener un efecto negativo en su perspectiva si los incumple repetidamente.

Comenzar a partir de un proyecto terminado existente y reorganizarlo suele ser mucho más fácil que crear algo nuevo. Intente comenzar con una pista que haya terminado previamente y utilícela como base para su siguiente pista.

De manera algo contradictoria, esta puede ser una excelente manera de evitar repetir ideas. La regla que debes establecer aquí es que tu nueva pista debe ser completamente diferente de tu proyecto inicial, lo que te obligará a modificar tus sonidos y elementos de pista anteriores.

Puede ser fácil distraerse con una nueva idea a la mitad de la creación de una pista y terminar cambiando por completo la sensación de tu idea original. Esto podría crear algo grandioso, pero también provocar la pérdida de algo bueno simplemente porque ya no se siente fresco.

Evite esto diseñando un plan de lo que quiere que sea su pista antes de comenzar, por ejemplo, 'herramienta techno de percusión de 130 bpm', 'sintetizador sin ritmo', 'tiempo pico DnB'. Cíñete a este objetivo original y deja a un lado cualquier idea nueva que surja en el camino para una fecha posterior.

Aprender a desarrollar pistas es clave para convertirse en el tipo de músico que termina cada idea. La mayoría de los músicos electrónicos han experimentado quedarse "atascados"; creando frases simples de 16 o 32 compases, pero luego perdiendo la motivación cuando se trata de convertirlas en arreglos completos.

Trabajar rápidamente es crucial. En lugar de escuchar una sección en bucle durante horas, conseguir incluso un arreglo aproximado puede ayudar a superar uno de los principales obstáculos en el proceso de acabado de la pista.

Adquiera el hábito de esbozar un arreglo al principio de su proceso creativo. Tan pronto como tengas algunos bloques de construcción fundamentales (por ejemplo, una progresión de acordes y un ritmo básico), duplícalos en tu línea de tiempo para crear las bases de una pista completa. Elimine elementos según sea necesario para designar una introducción, una conclusión y un desglose. Divida su arreglo en secciones de 8 compases y codifíquelas con colores o etiquételas para delinearlas fácilmente.

Tu objetivo ahora es cambiar la energía de tu pista de alguna manera cada vez que llegues a una nueva sección. Como regla general, hay tres formas de hacer esto: agregar un elemento, eliminar un elemento o cambiar un sonido existente; por ejemplo, cambiar el instrumento utilizado para tocar la melodía principal o mover parte de la línea de bajo hacia arriba o hacia abajo. octava.

Saber cuándo agregar y cuándo quitar algo es una cuestión de preferencia personal. El método clásico, al menos en la música dance, es generar energía añadiendo nuevos elementos hasta el final. Sin embargo, no hay razón para no intentar invertir las expectativas o realizar varios cambios a la vez.

Un paso importante cuando se trata de desarrollar una pista consiste en establecer qué elemento proporciona el punto focal, también conocido como el gancho, de la pista. Este debería ser el elemento más distintivo de tu composición. En una canción de pop o rock, esta suele ser la voz principal, pero cuando se trata de música electrónica o instrumental, el gancho puede ser cualquier cantidad de cosas, desde un riff de sintetizador principal hasta una línea de bajo o incluso, en el caso más percusivo o experimental. extremos de la música de baile, un sonido de percusión particular o un patrón rítmico.

Sin embargo, sea cual sea el género en el que estés trabajando, deberías poder identificar un punto focal específico para tu pista (incluso la música más ambiental probablemente ponga un sonido o textura específicos en primer plano sobre otros).

La razón por la que es importante identificar este elemento focal es que informará muchas de sus decisiones a la hora de organizar. Por ejemplo, es probable que quieras desarrollar tu gancho, lo que significa que puedes optar por eliminarlo de la introducción y los desgloses de tu pista.

También proporcionará la base a partir de la cual crear elementos como contramelodías. Por ejemplo, si tienes un riff de sintetizador descendente como gancho principal, intenta crear una contramelodía que ascienda a través de la misma escala, con un ritmo que funcione alrededor, en lugar de encima, de tu línea principal. Introducir esto en segundo plano después de dos o cuatro repeticiones de su plomo ayudará a agregar profundidad y mantener su anzuelo fresco.

Seguir los pasos anteriores le permitirá convertir sus ideas en un arreglo básico, pero el resultado probablemente sonará bastante estático y abrupto, como una colección de bucles unidos, en lugar de una composición terminada. La clave para cambiar esto radica en crear un movimiento dinámico tanto dentro como entre las secciones.

La forma más sencilla de hacerlo es mediante efectos de transición. Se trata de cosas como barridos de ruido blanco, bandas afinadas, crashes o platillos invertidos: elementos que se pueden colocar al principio o al final de un bucle para crear una entrada o liberación que indique el cambio en la pista.

Intente utilizar una sesión de estudio dedicada para crear su propio paquete de transiciones personalizadas, o simplemente busque uno de los innumerables paquetes de muestras listos para usar disponibles.

Cuando se trata de esbozar arreglos, puede resultar útil tener un stock de estos listos para usar; Crear efectos desde cero puede ser un proceso complicado que te ralentizará cuando intentes diseñar tu pista. Incluso si solo estás usando efectos de marcador de posición que planeas reemplazar cuando se trata de aplicar los toques finales, tener algún tipo de transición en su lugar será de gran ayuda para darle a tu arreglo la "sensación" correcta y podría ayudar a inspirar qué elementos deben agregarse o eliminarse para la siguiente sección.

Intente utilizar una sesión de estudio dedicada para crear su propio paquete de transiciones personalizadas, o simplemente busque uno de los innumerables paquetes de muestras ya preparados disponibles, como este de SampleRadar.

Una técnica igualmente esencial para introducir movimiento en un arreglo es mediante la automatización de parámetros y efectos de sonido. El ejemplo más obvio de esto es automatizar el punto de corte de un filtro de paso bajo para hacer que una línea principal, una línea de bajo o una progresión de acordes sean más brillantes a medida que se construye la pista. Sin embargo, de manera realista, hay una lista interminable de parámetros que se pueden ajustar para cambiar el tono de una pista y generar tensión dinámica, como el ancho de pulso de un sintetizador o el tiempo de caída de una reverberación o la velocidad de un LFO. Incluso los cambios sonoros sutiles mediante una modulación simple harán mucho para mantener enganchados a los oyentes.

Para realizar arreglos rápidamente, intente configurar algunos retornos de efectos con algunos efectos extremos que pueden ayudar a crear construcciones, desgloses y transiciones. Las reverberaciones o retrasos directos son excelentes para esto, al igual que las herramientas multiefectos como Cableguys ShaperBox o SugarBytes Effectrix.

Comprométete con anticipación: reproduce complementos o instrumentos externos como audio tan pronto como estés satisfecho, para evitar modificaciones y reelaboraciones interminables. Si necesita realizar cambios más adelante, sea creativo con los efectos o la edición.

Ponte manos a la obra con el proceso de automatización asignando parámetros clave a tu controlador MIDI favorito y realizando cambios en tiempo real.

Utilice pistas de referencia para crear arreglos. Carga una versión que te guste en tu DAW y toma nota de dónde ocurren las compilaciones, las averías y los cambios significativos.

En lugar de efectos de transición, indique cambios en sus pistas con ediciones del patrón actual. Intente cortar el bombo para un compás antes del cambio, o cree redobles de caja que aumenten el tono y/o el tiempo.

Una vez superados los obstáculos creativos y conquistado el arreglo, es hora de convertir esas ideas esbozadas en una pista terminada. Pero el proceso de mezclar una pista y ajustar los sonidos a menudo puede ser tan abrumador como crear la pista misma. Reduzca el dolor y el esfuerzo necesarios para mezclar su próxima canción con estos consejos para ahorrar tiempo...

Antes de entrar en los consejos prácticos de mezcla, dejemos de lado un punto básico: si realmente tienes dificultades para mezclar una pista, no te avergüences de que otra persona lo haga por ti. Existe un estigma antiguo y equivocado dentro de la música electrónica de que para ser un productor "real" necesitas manejar cada parte de la creación de tu pista de principio a fin.

Muchos músicos electrónicos talentosos y exitosos recurren a un tercero para mezclar y masterizar sus pistas.

La verdad, sin embargo, es que incluso entre los profesionales, no todos los músicos tienen habilidades que incluyan tanto el lado creativo como el técnico de hacer música. Muchos músicos electrónicos talentosos y exitosos recurren a un tercero para mezclar y masterizar sus pistas. En lugar de ser una concesión, en realidad hay muchos beneficios al tener un segundo par de oídos trabajando en tu creación. A menudo, alguien que llegue a tu tema "nuevo" podrá detectar problemas o sugerir ideas que te has perdido por estar demasiado familiarizado con él.

Obviamente, conseguir que un profesional mezcle tus pistas tiene un costo, lo cual es un factor que, comprensiblemente, podría desanimar a muchos músicos independientes de la idea. Sin embargo, existen posibles formas de solucionar este problema; Intente conectarse con otros músicos con ideas similares y organice un "intercambio de pistas" en el que cada uno de ustedes ofrezca consejos y apoyo sobre mezclas.

Una de las formas más rápidas y efectivas de tomar decisiones sobre mezclas es comparar tu trabajo con lanzamientos comerciales bien producidos que te gusten. Es una de las mejores maneras de comprender cómo los profesionales logran consistencia sonora y establecer un punto de referencia para trabajar al escribir y mezclar música de club.

Reúna un conjunto de pistas de referencia, cárguelas en su último proyecto de mezcla y luego pase de su mezcla a las pistas de referencia y compare a medida que avanza.

Como la referencia es una técnica tan aceptada hoy en día, es posible que desees hacer que el proceso sea más conveniente invirtiendo en un complemento dedicado de 'comparación de mezclas' como Magic AB de Sample Magic, Mastering The Mix's Reference o MCompare de MeldaProduction. Una vez cargados en su bus maestro, estos complementos le permiten cargar múltiples canciones, configurar puntos de bucle y luego A/B entre el audio de su DAW y dichas pistas con solo hacer clic en un botón.

La mayoría de los DAW permiten al usuario combinar y guardar parches de efectos de alguna forma, como con los Audio Effect Racks de Live o los ajustes preestablecidos de Channel Strip de Logic. Úselos para crear y guardar combinaciones de efectos que puede aplicar a cualquier caso de uso que surja regularmente en sus pistas, como buses de batería, efectos auxiliares o procesamiento maestro.

Si no está seguro de por dónde empezar, existen muchas cadenas preestablecidas que se pueden descargar en línea, tanto de forma gratuita como comercial; y es probable que su DAW también tenga algunos ajustes preestablecidos decentes. Tenga en cuenta que este tipo de efectos dependen mucho del contexto, así que no espere una solución única y universal.

A menudo puede ser complicado equilibrar múltiples efectos espaciales en una mezcla, lo que a menudo hace que todo parezca descolorido o embarrado. Una forma eficaz de equilibrar las reverberaciones, preferida por algunos ingenieros profesionales, es utilizar una combinación de sólo tres tipos de reverberación configurados como efectos de retorno, cada uno de ellos dirigido a espacios o estilos de reverberación de diferentes tamaños.

El enfoque clásico es utilizar reverberaciones cortas, medias y largas, normalmente con tiempos de caída de alrededor de <1 s, 1-2 s y >2 s respectivamente. También funciona bien para mezclar tipos de reverberación; Las reverberaciones algorítmicas de sala funcionan bien para verbos cortos, las placas son excelentes para sonidos de tamaño medio y las reverberaciones de sala para efectos más largos. Envíe cada elemento de la mezcla a estos en diferentes cantidades para crear espacio.

Existe un campo minado de posibles errores de ecualización que realmente pueden afectar el sonido de la mezcla general. Uno común es el uso excesivo del filtrado de paso alto/bajo en canales individuales dentro de una mezcla. Normalmente, es deseable utilizar filtros de paso alto/bajo para eliminar frecuencias no deseadas, liberando margen dinámico dentro de la mezcla y aumentando la claridad de los elementos individuales.

Existe un campo minado de posibles errores de ecualización que realmente pueden afectar el sonido de tu mezcla general.

Esta puede ser una gran técnica si se aplica con cuidado utilizando filtros suaves; sin embargo, muchos complementos de ecualizador digital ofrecen tipos de filtros mucho más pronunciados que potencialmente pueden hacer que los elementos individuales de la mezcla suenen demasiado separados. Una buena regla general sería utilizar filtros de 12 dB/oct o 18 dB/oct para el trabajo de paso alto/bajo, ya que esta configuración le ofrecerá el mejor compromiso entre eliminar frecuencias no deseadas y conservar un sonido musical cohesivo.

También es crucial prestar especial atención a la frecuencia a la que se aplican los filtros: filtrar demasiadas frecuencias bajas de elementos individuales puede dar lugar a una mezcla con un sonido fino, por ejemplo, mientras que exagerar el filtrado de paso bajo puede eliminar demasiado aire, lo que resultará en una sonido demasiado sordo.

Un buen consejo es poner en solo el canal que estás filtrando y escuchar atentamente cómo los filtros afectan el sonido antes de ver cómo suena el canal filtrado en el contexto de toda la mezcla. Si posteriormente el sonido general se ve afectado más de lo que le gustaría, intente retroceder un poco los filtros.

Intente utilizar nuestro mapa de frecuencias, que se muestra arriba, para tener una idea de dónde debe ubicarse cada elemento en el espectro de frecuencias.

Si no tiene la suerte de contar con un monitoreo que reproduzca con precisión los subgraves bajos o las frecuencias altas brillantes, un analizador de frecuencia como el excelente (¡y gratuito!) SPAN de Voxengo le permitirá comparar el sonido proveniente de los parlantes con una indicación visual de qué están haciendo sus filtros de paso bajo/alto.

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Soy editor en jefe de Tecnología Musical y trabajo con Future Music, Computer Music, Electronic Musician y MusicRadar. He estado jugando con la tecnología musical en diversas formas durante más de dos décadas. También he pasado los últimos 10 años olvidándome de tocar la guitarra. Encuéntrame en la sala de descanso de las raves quejándome de que ya se me ha pasado la hora de dormir.

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